ABEL ANTONYSAMT
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Abel Antonysamy
Une célébration de la couleur
Les explorations de la couleur par Abel Antonysamy mènent à des peintures éclatantes qui capturent la vie et l’énergie des sujets de sa ville natale.
Par Sagnik Biswas
Abel Antonysamy est connu dans le monde entier pour ses aquarelles mettant en valeur des couleurs et des lumières envoûtantes—des peintures minimalistes en détails mais éblouissantes par leur effet. L’artiste est basé à Pondichéry, dans un quartier appelé White Town, une ville de l’est de l’Inde, située au bord de la baie du Bengale. C’est une région du monde qui offre une gamme diversifiée de sujets, allant des champs baignés de soleil et des paysages urbains aux marchés agricoles en plein air et aux spectacles de danse spectaculaires.
Peu importe le sujet, Abel Antonysamy sait tisser une magie visuelle. Son inspiration naît d’un amour intense pour la nature ainsi que des scènes ordinaires de la vie quotidienne. L’artiste est un peu comme l’enfant proverbial qui ramasse des cailloux sur le rivage, tandis que l’océan sans fin s’étend à ses côtés. La fascination d’Abel Antonysamy pour son environnement ne s’éteint jamais ; il trouve toujours une incroyable variété de sujets—des scènes présentant un contraste saisissant de lumière et d’ombre et un jeu de couleurs—pour émerveiller les yeux.
Edward Degas a un jour dit : “L’art n’est pas ce que vous voyez, mais ce que vous faites voir aux autres.” Une idée qui résonne profondément chez Abel Antonysamy, qui s’efforce de capturer des moments fugaces de perception et de beauté accrue dans des peintures qui captiveront les spectateurs d’aujourd’hui et de demain.
Forger une vie dans l'art
Comme de nombreux artistes, l’intérêt d’Abel Antonysamy pour l’art a été éveillé dès son enfance. Il se souvient d’un souvenir précoce d’un ami dont les croquis au fusain d’un bananier l’ont inspiré à tenter sa propre expérience. Il a rapidement commencé à faire des croquis de tous les sujets qui attiraient son regard et se souvient combien il appréciait lorsque ses amis s’émerveillaient de sa capacité à reproduire un dessin. Il se rappelle qu’il attendait avec impatience le mois de juin, lorsque l’école distribuait les livres pour la nouvelle session. Il parcourait les illustrations à la recherche d’images à dessiner, en particulier celles des livres d’histoire, où les images de puissants souverains et de vieilles cités captivaient son imagination d’adolescent.
En tant que jeune homme, contre les conseils de nombreux sceptiques qui avaient du mal à envisager l’art comme une profession, Abel Antonysamy s’est inscrit au Bharathiyaar Palkalai Koodam College, affilié à l’Université de Pondichéry, pour poursuivre un diplôme en peinture. Pendant ses études, il s’est progressivement tourné vers l’aquarelle. La fluidité et la rapidité, ainsi que les “accidents heureux” occasionnels, étaient des qualités qu’il appréciait particulièrement.
En étudiant les maîtres de la peinture, l’artiste s’est intéressé aux “anciens maîtres” tels que Rembrandt (Néerlandais, 1606-1669) pour son utilisation de la lumière et des textures, ainsi qu’aux artistes du tournant du siècle, qui étaient des maîtres aussi bien de l’huile que de l’aquarelle. Les couleurs vibrantes de Joaquin Sorolla (Espagnol, 1863-1923), par exemple, et les portraits élégants de John Singer Sargent (Américain, 1856-1925) ont fait une forte impression. Les paysages poétiques de l’artiste contemporain Joseph Zbukvic (page 72) sont également une source d’inspiration.
Travailler à la fois à l'intérieur et à l'extérieur
« Pour un artiste, la nature peut être, et est souvent, le meilleur professeur », déclare Abel Antonysamy, qui tire le plus grand plaisir de la peinture de paysages. Afin de maîtriser le chiaroscuro – la structure de la lumière et de l’ombre dans une composition – il estime qu’il faut peindre en plein air pour comprendre toute l’étendue de la lumière du soleil et ses effets sur les objets. Lorsqu’il se rend dans un champ ou une forêt à la recherche d’un sujet, il essaie de rester attentif à un sentiment soudain de clarté – cette intense sensation d’être vivant, présent et connecté à la Création plus grande. L’artiste qualifie ce sentiment exaltant de la totalité de la vie de « don de Dieu ». C’est l’étincelle qui motive son travail.
Bien que travailler en extérieur soit une expérience stimulante, l’artiste passe également de nombreuses heures dans le calme de son atelier, à Pondichéry, à travailler sur des œuvres plus complexes et conceptuelles. Ce travail implique des expériences sur la division de l’espace et les divers effets de la lumière – comme on peut le voir dans des peintures telles que No.27 (en face) et No.10 (à gauche), issues de sa série « Bharathanatyam (danseuse) », ainsi que des explorations de la couleur, comme on peut le voir dans des pièces telles que Native Village (ci-dessus), de sa série « Couleurs complémentaires », et Goubert Market, No.24 (page 28), de sa série « Marché ».
Boîte à outils de l'artiste
La surface préférée d’Abel Antonysamy pour travailler est le papier Arches 300 GSM, grain rugueux. Pour ses pinceaux, il utilise des pinceaux de calligraphie chinois. Bien qu’il utilise quelques couleurs spécifiques provenant de différentes marques – certains bleus opaques de Sennelier, quelques teintes métalliques de Daniel Smith et quelques verts de Winsor & Newton, par exemple – il réalise la plupart de ses œuvres (plus de 90 %, selon ses dires) en utilisant des couleurs Camel, fabriquées en Inde, qui conviennent parfaitement à son style de peinture.
Le plaisir de l’artiste pour l’expérimentation des couleurs est pleinement visible dans Goubert Market, No.24 (aquarelle sur papier, 11×15), faisant partie d’une grande série d’œuvres mettant en scène le marché animé de Pondichéry.
Exploration de la couleur
Que ce soit les costumes colorés des danseurs traditionnels, les saris décoratifs portés par les femmes ou les fleurs fraîches apportées pour être vendues sur le marché du matin, les couleurs sont omniprésentes en Inde, et Abel Antonysamy souhaite capturer tout cela comme moyen de représenter l’esprit et le caractère du pays. Lorsqu’il choisit des palettes de couleurs, il prend soin de subordonner ses préférences personnelles à la splendeur des couleurs locales.
La valeur est la chose la plus importante à apprendre en tant que peintre, et comme le note Abel Antonysamy, « Chaque couleur a sa propre valeur. » Le jaune, par exemple, est plus clair qu’un rouge profond, et le bleu est plus sombre qu’un rose pâle. Si la valeur est correcte, les options de couleurs d’un artiste sont donc assez ouvertes. L’approche quelque peu fauviste de l’artiste pour l’expression des couleurs se manifeste dans ses portraits bicolores, dans lesquels il utilise un ensemble de couleurs complémentaires en fonction de leur structure de valeur. Dans Portrait d’un homme (page opposée), par exemple, il pourrait sembler peu naturel que l’un des côtés de l’homme soit vert. Le vert, cependant, sert de couleur d’ombre, car il est plus foncé que les zones plus éclairées du portrait, qui sont peintes dans des teintes complémentaires de rouge et de gris intermédiaires.
Un autre aspect important de la couleur est sa subjectivité. Quelque chose qui semble bleu vif lorsqu’on le voit dans une pièce orange, par exemple, ne paraîtra pas aussi vif lorsqu’il sera entouré d’objets bleus ou verts. Le contexte, par conséquent, est d’une importance capitale lors de l’application de la couleur. Pour illustrer ce principe, nous pouvons regarder Village Open Market (page opposée), dans lequel la lumière du soleil, filtrée à travers les couvertures de tentes en plastique, baigne le paysage dans une lumière rougeâtre. Cela devient un excellent texte pour l’application de bleus-verts commentés, produisant un contraste maximal.
On se rapproche
Abel Antonysamy a consacré toute une série à l’exploration de la température des couleurs. Dans Village, Warm Color Series, No. 38 (aquarelle sur papier, 11 2/5 x 22), au lieu d’utiliser des verts ou des bleus froids comme couleurs d’ombre, il opte pour des variations plus froides de rouges et d’oranges.
Des expériences de couleur comme celles-ci peuvent aider à transmettre l’émotion et l’ambiance dans une peinture. Dans ce cas, la palette chaude renforce l’impression du climat chaud de l’Inde.
Réfléchir profondément
Étant donné sa forte propension pour la couleur, il est quelque peu surprenant d’apprendre qu’Abel Antonysamy commence ses peintures en esquissant les zones où il ne souhaite pas utiliser de couleur. Tout aussi crucial pour une peinture, les espaces blancs qu’il organise – afin de créer un sens du rythme et de l’équilibre. Guidé par l’idée que “le blanc est la lumière”, l’artiste veille à distribuer cette lumière de manière efficace à travers ses compositions.
L’une des préoccupations suivantes de l’artiste est de savoir où créer un contraste maximal – pour accentuer son point focal – et comment subdiviser le reste de l’espace afin de faciliter le mouvement autour de ce centre d’intérêt. L’application de ce principe de type notan est ce qui donne à ses compositions une structure de valeur sous-jacente forte, avec des formes blanches bien placées.
Pour créer ce plan compositionnel et cette structure de valeur, l’artiste utilise invariablement une esquisse au crayon comme point de départ. La complexité de tous ses sujets est d’abord décodée à travers cette étape préparatoire. Prendre le temps de réaliser cette esquisse est essentiel pour une peinture réussie, et c’est l’une des leçons clés qu’il enseigne à ses étudiants.
Un autre conseil qu’il donne aux débutants est de toujours chercher des moyens de découvrir et de définir leur voix artistique – leur propre inspiration et expression en tant qu’artiste. “Les maîtres sont là pour nous guider”, dit-il, “mais on ne doit jamais copier aveuglément leur style, sauf si c’est destiné à l’exercice.” La meilleure chose que les artistes puissent faire est de s’écarter de leur propre chemin, ouvrant ainsi une voie pour peindre quelque chose d’original et personnellement significatif.
Abel Antonysamy reconnaît que c’est souvent l’anxiété face au résultat d’une peinture et les doutes concernant la technique qui déstabilisent les artistes, obscurcissant leur motivation initiale pour peindre le sujet. Ces soi-disant échecs, cependant, s’ils sont appris, ont le potentiel de devenir des pierres angulaires qui nous ramènent à nous-mêmes et à notre style unique.
L'Impact de l'Art
Au fil des années, il y a eu de nombreuses occasions où Abel Antonysamy a été témoin du pouvoir de l’art. Il se souvient d’un incident en France, au début de sa carrière, qui lui a ouvert les yeux sur l’impact qu’un artiste peut avoir. En guise de remerciement pour son hôte, il avait préparé une petite esquisse de quelques moutons broutant sous un arbre avec la mention : La Paix de Jésus-Christ soit avec toi et ta famille. Le cadeau de l’art original toucha profondément la femme, et elle éclata en sanglots.
La réaction de la femme élargit la perspective d’Abel Antonysamy sur la nature de l’art. Il réalisa que l’art n’est pas seulement une question d’esthétique, ni même d’expression personnelle. Il a également le potentiel de tisser des liens et même de déclencher une transformation.
Sagnik Biswas, écrivain collaborateur (paintpaperbrush.com), est un artiste basé à Mumbai dont le travail a été exposé avec la National Watercolor Society.
Rencontrez l'Artiste
Abel Antonysamy est l’un des aquarellistes les plus renommés de l’Inde. Depuis plus de deux décennies, l’artiste mène une carrière de professionnel, participant à de nombreuses expositions en Inde et à l’étranger, tout en animant des ateliers internationaux de peinture pendant près de trois mois chaque année. L’artiste a reçu de nombreux prix, notamment le 2e prix de la International Watercolor Society de Belgrade et le Prix de la ville de Caussade, en France. Ses peintures se trouvent dans des collections publiques et privées à travers le monde. Abel Antonysamy vit et possède un studio à Pondichéry, en Inde. Pour en savoir plus sur l’artiste, visitez artistabel.com ou suivez-le sur Instagram.com/abelantonysamy_art.
Abel Antonysamy—vu ici avec une peinture de démonstration lors d’un atelier à Beaujolais, en France—parcourt le monde pour peindre et enseigner.
